Conversation avec Kitty Crowther

Les éditions Pyramyd, bien connues des amateurs de création graphique, ont décidé de lancer une collection de monographies baptisée « Conversations », et le premier volume (on espère qu’ils seront nombreux !) est consacré à Kitty Crowther. Magnifiquement mis en page (des extraits sont disponibles sur le site de l’éditeur) et réalisé, le livre est également – et surtout – un passionnant voyage au cœur de la création. Véronique Antoine-Andersen sait se faire discrète, poser les bonnes questions,  éclairer certains propos dans le petit dossier complémentaire qui évoque notamment les figures de Beatrix Potter et Astrid Lindgren, enfin mener le lecteur au cœur du processus créatif autour d’un exemple, celui de Mère Méduse, dont l’élaboration est évoquée en détails dans le carnet final, imprimé sur papier crème. La manière dont elle mène l’entretien avec Kitty Crowther, lauréate du prix Astrid Lindgren en 2010, permet au lecteur de s’immerger dans l’univers complexe et délicat de celle qui se considère comme « réalisatrice de livres ». C’est passionnant.

« Plus je suis singulière, plus je permets au lecteur de devenir lui-même »

Kitty Crowther revient en permanence sur certaines constantes de son travail : l’attention à la nature, le goût de ce qui est magique ou inexpliqué, l’importance de l' »indécidable » dans une œuvre adressée aux enfants. « Mon travail revient, entre autres, à laisser au lecteur la possibilité de se projeter. Le lecteur lit en fonction de ce qu’il est, il fait son chemin et ce chemin-là est très précieux. Je crois à la magie et au pouvoir des histoires. Pour cela, il faut des histoires ouvertes, en suspension, avec une partie réservée à l’inexplicable et au palpable. » (p.25)

Le format de l’entretien lui laisse le loisir de revenir longuement sur le processus créatif et ses incertitudes, sur la nécessité de laisser les images, les mots, les histoires venir à elle. « Je pense qu’il faudrait garder constamment cet émerveillement ou cette curiosité sans jugement devant tout ce qui advient. […] Quand j’invente une histoire, j’utilise des éléments qui résonnent en moi et qui vont s’ordonner de manière très instinctive jusqu’à devenir une histoire. La création est un puzzle où l’on place une pièce après l’autre et le tout forme quelque chose auquel on ne s’attendait pas du tout.  » (p.24)

La discussion est émaillée de souvenirs de lectures d’enfance, d’albums et d’auteurs aimés : Beatrix Potter et Astrid Lindgren, bien sûr, mais aussi Arnold Lobel ou Quentin Blake. « Si je devais juste choisir un livre parmi tous les albums de mon enfance, ce serait Porculus d’Arnold Lobel. Dedans résidait une grande compréhension de la différence ou du rejet que je ressentais petite. Dans un article, Lobel disait : “Le lecteur comprend des choses qui arrivent au personnage du livre que le personnage du livre ne comprend pas lui-même”. Je trouve cela très juste. » (p.21)

« Je vois pléthore de belles images qui manquent d’histoires fortes »

Ce regard sur la création des autres artistes lui sert aussi à mieux expliquer à son interlocutrice ce qu’elle fait, et pourquoi elle le fait de cette manière. Par exemple, lorsqu’elle évoque sa réticence devant les outils de dessins par ordinateur : « je ne me vois pas travailler sur une machine une journée entière. J’ai besoin d’avoir un contact avec un feutre, un papier, un crayon. Nous somme faits d’os, de sang et de peau. Je ne validerai jamais le fait de travailler sur un écran parce qu’il y a trop de filtres. J’ai beaucoup réfléchi aux livres numériques et à Photoshop. C’est superbe de jouer avec les typos et les images. Fondamentalement, je n’en ai pas besoin. […] Je trouve qu’il faut d’abord comprendre ce que sont une ligne et des couleurs. Je fais partie de l’ancienne école et cela n’est pas grave. Il y a très peu d’images numériques qui m’intéressent.[…] La mise en couleur par Photoshop ne me touche pas, elle manque d’âme. » (p.71)

Ce même regard critique lui permet de manifester son regret devant certaines évolutions du secteur éditorial de l’album : « Actuellement, je trouve que les albums ont perdu qualitativement du niveau du sens et du contenu de l’histoire. Je vois pléthore de belles images qui manquent d’histoires fortes. Jouer avec les mots ou faire des rimes ne crée pas une histoire. Ces livres me fatiguent très vite. Je préfère un texte succinct où tout est dit, y compris entre les mots. […] Je n’essaye pas de réinventer l’album. J’aime l’album comme il est. […] J’aime avant tout raconter des histoires avec une narration. Je suis affamée d’histoires. Petite, je lisais tous les résumés ou les synopsis de films. Les histoires sont très importantes parce qu’elles racontent notre humanité, ce que nous sommes et d’où nous venons. » (p.90)

« Je commence toujours par faire la première image »

Mais les parties du livre qui m’ont le plus intéressées sont celles où elle parle de ses images – car ses albums partent des images. Ses longues explications passionnantes nous plongent au cœur de la création : choix d’un médium, choix du papier, choix de fabrication ou de typographie ; art de la composition, goût pour le blanc, rapport au noir et à la couleur. De longues pages sont consacrées à la décision d’utiliser telle ou telle technique : le crayon de couleur, le feutre, l’aquarelle.

« J’employais une marque américaine Karisma, géniale et magnifique. Malheureusement, l’usine a fermé. Ils avaient un aspect gras qui faisait que tu appuyais à peine pour obtenir un trait et au contraire, très fort pour une densité à 100%. Il y avait un vert printemps extraordinaire, le vert que j’ai utilisé dans Scritch scratch dip clapote, que je n’ai jamais retrouvé ailleurs. Je suis après passée aux crayons aquarelle de Caran d’Ache que j’utilise sans eau et qui ont un gras que je ne trouve pas ailleurs. Dans cette gamme, j’ai repéré cette teinte vieux jaune que j’utilise sans relâche depuis et dont je ne me suis pas encore fatiguée. J’ai employé sans modération ce jaune, entre moutarde et beige, dans Mère Méduse. J’ai besoin de cette couleur. Il y a des couleurs qui te parlent. C’est vraiment vibratoire. » (p.77)

« Ce qui m’intéresse dans la technique, c’est l’expérimentation et non le savoir-faire académique. Quand on est concentré uniquement sur l’apprentissage de la technique, on perd de vue le contenu et ce que l’on veut dire. De ma propre initiative, je me suis amusée à faire ces exercices. Pour obtenir un aplat avec l’aquarelle, tu délimites sur ta feuille une surface que tu mouilles avec de l’eau avant de mettre dessus la couleur qui se diffuse. Ensuite, tu laisses sécher. Pour gagner du temps, certains emploient un sèche-cheveux. L’aquarelle est une technique d’eau et de transparence. Tu superposes des couches qui vont du plus clair au plus foncé. Dans certains albums, je mélange l’aquarelle avec l’encre. » (p.65)

« On part d’un trait et tout devient possible »

À plusieurs reprises, Kitty Crowther revient sur son rapport au trait, qui me paraît essentiel. C’est à la fois une fascination – parce qu’un dessinateur se reconnaît en effet à son « trait » – et l’une des raisons qui la détournent des techniques de dessin par ordinateur.

« On part d’un trait et tout devient possible. Je définirais le trait comme une énergie et un espace de liberté. Le dessin qu’il soit fait au crayon, à la plume ou à l’encre est une écriture, une écriture libre où personne ne passe derrière toi relever tes fautes. […] Chaque personne a son propre trait comme chaque personne a son propre timbre de voix. » (p.71)

Ce long entretien laisse au lecteur le temps de prendre la mesure de ce qu’est l’acte de création, et à l’artiste la liberté de revenir sur ce qui compte pour elle. Le plus intéressant est dans l’amplitude de ce qui est offert ici au lecteur. Kitty Crowther n’analyse pas son œuvre, elle se contente d’expliquer ce qu’elle fait, de dire parfois pourquoi elle le fait, de développer comment elle le fait. L’art de ce beau livre réside dans ce mélange entre les méticuleuses attentions au détail technique (telle marque de crayon, telle teinte de jaune, tel grain de papier) et l’ouverture immense des préoccupations de l’artiste : vers le monde naturel et l’univers de la magie, vers l’imaginaire mais aussi le quotidien léger et gai de l’enfant. Un livre précieux, donc.


Une réflexion au sujet de « Conversation avec Kitty Crowther »

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